Aktualności
Na napisanie „dobrej” muzyki do gry składa się tyle zmiennych, że nie da się zdefiniować jednego prostego sposobu. Często wszystko zależy od czasu, jaki dostaniemy na zadanie, feedbacku, jaki uzyskujemy od zespołu lub konceptów, jakie podsyłają nam koledzy artyści, czyli czynników niezależnych od naszych umiejętności jako kompozytorów. W tym wszystkim najważniejsza jest jednak praca, którą wkładamy każdego dnia w rozwój samych siebie, aby najefektywniej robić to, co kochamy. Tak, to jest praca każdego dnia!
Nie zrozumcie mnie źle, że jest to droga przez mękę, ale swoją wiedzę trzeba cały czas uaktualniać i dodawać jej nowe łatki. Topowi kompozytorzy wielkich tytułów podczas panelu CTRL Collective w Playa Vista zebrali 12 ważnych aspektów wpływających na efektywne pisanie muzyki do gier. Oto one:
1. Ucz się, ucz się, ucz się
Szlifowanie swojego rzemiosła jest rutyną, do której musimy się przyzwyczaić. Wielu kompozytorów pracuje i chodzi na studia jednocześnie, żeby cały czas wzbogacać swój warsztat i umiejętności.
2. Graj w gry
Niby proste, ale dla wielu nieoczywiste. Austin Wintory podkreśla, żeby grać w gry jak najwięcej się da. Należy grać w gry, do których komponujesz muzykę, aby rozumieć rytm, historię, sygnały emocjonalne itp. Należy też grać w wiele gier, do których nie komponujesz muzyki, słuchać muzyki, aby zrozumieć, jak motywy rozwijają się i łączą z grą.
3. Rozwijaj swój głos
To zasugerował Gareth Coker znany z serii o Orim. Tak jak scenarzyści filmowi i telewizyjni mają swój własny głos (sposób opowiadania historii, dialogu, rytmu itp.), tak samo mają go kompozytorzy. Możesz inspirować się innymi kompozytorami, ale nie próbuj ich kopiować ani brzmieć jak oni. Rozwiń swój własny, niepowtarzalny głos i dźwięk w swojej muzyce.
Należy grać w wiele gier, do których nie komponujesz muzyki, słuchać muzyki, aby zrozumieć, jak motywy rozwijają się i łączą z grą.
4. Wypuszczaj swoją muzykę
Gareth podkreślił, jak ważną sprawą jest internet i że aby być usłyszanym przez developerów gier, należy wypuszczać muzykę w sieć, brać udział w etiudach studenckich, często współpracować przy niskobudżetowych produkcjach lub serialach internetowych, po to, aby być usłyszanym.
Tak dostał się między innymi do projektu Ori and the Blind Forest. Gordy Haab dodał do tego, że dzięki fanowskiemu projektowi Star Wars, w którym brał udział, został zauważony przez producentów StarWars: Battlefront i po wysłuchaniu jego dema, mógł zrealizować swoje wieloletnie marzenie jako fana serii i skomponować do niej muzykę.
5. „Pokaż, a nie mów”
Kolejna ważna rada Garetha, który podkreślił, jak ważne jest wzajemne zrozumienie w produkowanym tytule i o ile łatwiej zrozumieć jest kolegom twoją ideę, jeśli nawet szkicowo ją przedstawisz.
6. Zaczynaj pracę na wczesnym etapie produkcji gry
Im wcześniej zaczniesz, tym końcowy obraz gry będzie bardziej spójny. Na wczesnych etapach możesz zaproponować i przetestować wiele opcji rozwoju muzyki, czego nie możesz zrobić na końcowym etapie. W Ori and the Blind Forest bardzo ważny jest rytm gry i dzięki starannej synchronizacji od początku projektu, efekt końcowy stał się bardzo imponujący.
„Niezależnie od tego, nad czym pracujesz, możesz pomóc opowiedzieć historię” – Austin Wintory.
7. Inspiruj się i bądź oryginalny
Gordy Haab pracując nad Star Wars: Battlefront podkreślił, że pracując nad dużą znaną franczyzą, trzeba dać to, co odbiorca projektu oczekuje. Gordy stworzył wiele nawiązań do oryginalnej muzyki serii, ale poza tym stworzył na jej bazie oryginalne tematy dla planet i bohaterów. Austin Wintory dodał do tego, że znając język serii Assassins Creed, chciał dodać swój koncept polegający na wykorzystaniu rytmiki Waltza, ponieważ bardzo pasowała mu do relacji bohaterów. Pomysł się bardzo spodobał producentom i na tej bazie skomponował cały soundtrack do gry.
8. Opowiedz historię
„Niezależnie od tego, nad czym pracujesz, możesz pomóc opowiedzieć historię” – powiedział Austin Wintory. Podczas gdy wizualizacje filmu opowiadają główną historię, możesz użyć muzyki, aby opowiedzieć tę samą historię lub opowiedzieć inną historię. Kiedy jesteś zatrudniony do projektu, zatrudniają cię z jakiegoś powodu, więc zapytaj: co możesz wnieść do całości, aby pomóc opowiedzieć historię za pomocą muzyki?
9. Zrozum produkcję od strony biznesowej
„To jest również biznes muzyczny, więc kompozytorzy powinni też uczyć się od strony biznesowej” – powiedzieli Garry Schyman i Mikołaj Stroiński. Ważne jest, żeby umieć czytać swoje umowy, rozumieć za co, są uzyskiwane tantiemy, znać podstawy prawne, aby móc lepiej porozmawiać z prawnikiem o swoich umowach.
Należy wypuszczać muzykę w sieć, brać udział w etiudach studenckich, często współpracować przy niskobudżetowych produkcjach lub serialach internetowych, po to, aby być usłyszanym.
10. Bądź miły
Ludzie lubią pracować z miłymi ludźmi, tym bardziej że projekty gier często ciągną się latami.
11. Kreatywnie rozwiązuj problemy
Jako kompozytor musisz być kreatywny. Zastosuj tę samą kreatywność do proaktywnego rozwiązywania problemów biznesowych/projektowych. Na przykład, powiedzmy, że jesteś proszony o pracę nad projektem, który nagle ma zmniejszony budżet lub przesunięty termin. Co możesz zrobić, aby kreatywnie rozwiązać problem? Czy możesz poprosić znajomego o pomoc? Czy możesz nagrywać w tańszym miejscu? Ludzie lubią pracować z osobami rozwiązującymi problemy, które mogą załatwić sprawę i zrzucić ciężar z innych, a nie z osobami narzekającymi lub negatywnymi.
12. Skorzystaj z pracy w LA
To nie jest łatwy temat, ale legenda, którą obrosło to miasto, nie jest bezpodstawna. Gromadzi wielu znakomitych muzyków i kreatywne postaci. Żyjąc w takim miejscu, źródła inspiracji dosłownie cię bombardują, nie wspominając już o tym, ile fantastycznych festiwali game developement odbywa się w tym mieście. Na każdym z nich możesz spotkać wielu producentów spragnionych twojej muzyki, o czym jeszcze często nie wiedzą. Poza tym wszystkim status „kompozytor z LA” już oznacza pewien brand, którym możesz się pochwalić i mogą tym też chwalić się producenci, z którymi współpracujesz.
Oczywiście nie jest to jakaś mocna reguła, ale na pewno ścieżka godna rozważenia dla każdego muzyka.
